23.11.23 – 11.01.24
UNA EXPOSICIÓN ORAL
A cura de Caterina Almirall
Artistas: Maider Aldasoro, Mayra vom Brocke, Charlotte Nordgren Sewell, Elisa Pardo Puch, weecolors
Ella ha aprendido a escupir y se entretiene dejando pequeños charcos de saliva que esparce con la mano o con el pie. Ahora se sienta en mi regazo, mirando hacia mí, entrelazadas, alarga las manos hacia mi cara y me pone los dedos en la boca, me quiere coger la lengua, tocarla, estirarla. Es raro y molesto, pero la dejo explorar, los dientes, los labios, la saliva. Saca su lengua hacia fuera, dice aaaaaaahhhh sonriendo, insistente, quiere que nuestras lenguas se toquen. Alguien dice que eso no está bien, que hay demasiadas bacterias en la boca. Pienso en cómo salió de adentro mío hace poco más de un año, en cómo sigue alimentándose de mí cada día cuando mama, leche, que sale de mí y que mi cuerpo sigue fabricando y me sigue pareciendo mágico. Dice las primeras palabras, mamá, teta, agua, no. Nuestras lenguas se tocan y se hacen cosquillas.
Una exposición oral parte de la lengua como un órgano, un músculo de la boca, como un miembro o una extremidad que gesticula en la oscuridad y la humedad de la cavidad bucal y que comunica exterior e interior enlazando nuestro cuerpo con el entorno. Una exposición oral quiere penetrarnos mientras penetramos en ella y en cada uno de los proyectos que reúne; invita a chupar, a chorrear, apela al cuerpo al corazón a la carne, rehúye el ojo —la mirada— como único órgano posible para acercarnos a las prácticas artísticas. Si los ojos son como dos canicas atadas por un hilo a nuestra cabeza, la lengua es un pedazo de carne que vive en la cueva oscura, húmeda, llena de olores, bacterias, rastros de nuestras prácticas alimentarias, sexuales, amorosas, tóxicas, líquidas, y que sale para hacer sonar el aire contra los dientes, contra el paladar, que se mueve para lamer succionar saborear dar placer e irreverencia, que hace que la boca no sea sólo un agujero sino la guarida de la bestia, que no sea sólo un orificio o una entrada, también un canal de salida, flujo, umbral; un punto de encuentro, de contacto, de sabor, de placer, la posibilidad del erotismo.
Maider Aldasoro
El Acto. Axila, que robo sobaco, 2023
Vídeo-proyección
15 minutos
Actuando: Alvaro Olaetxea y Maider Aldasoro
Cámara: Lander Ibarretxe
Música: Alvaro Olaetxea
Montaje: Maider Aldasoro
Axila, que robo sobaco es un proyecto que aúna video, textil, escultura y la puesta en escena, y se estructura a través de tres vídeos a modo de trilogía: El preludio, El Acto y La Victoria, de los cuales aquí se presenta el principal: El Acto. Son tres fases de una acción sexual llevada a cabo por dos seres fantásticos, híbridos entre humano y flor y humano e insecto: un insecto dorado y una flor azul.
El Acto se presenta como la escenificación de una grabación de un video erótico-fantástico de tipo amateur, recreando movimientos y posiciones acordes mientras la voz del director da indicaciones al personaje principal. Este, vestido con un traje dorado y alado como un insecto va sutil y lentamente haciendo el amor al personaje vestido con un traje azul, o flor, observando, acariciando y arrebatándole la piel, hasta dejarlo moribundo. En conjunto retratan la sexualidad y el fetiche de los dos seres fantásticos.
Maider Aldasoro Diaz (México, 1992), vive y trabaja en Bilbao. Es Graduada en Bellas Artes por la UPV-EHU, realizó Erasmus en Norwich University of the Arts, 2013 y el Máster en Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid. Su práctica individual mezcla el diseño de vestuario, el video, la performance y la escultura. Ha participado en exposiciones colectivas como Ikuspuntuak II, Ellas en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, Ertibil Bizkaia 2021 y 2023 obteniendo el segundo premio en la última edición. Ha realizado residencias de arte en Azkuna Zentroa Bilbao 2021 y Bilbaoarte 2022 y formado parte de B.A.C.E. PROJECT, programa de internacionalización de jóvenes artistas vascos dirigido por Eugenia Griffero y en colaboración con la Diputación de Bizkaia, realizando una exposición individual en la galería Art Lacuna, Londres, 2022. También ha realizado las exposiciones individuales Aurrean Goxo, en Azkuna Zentroa Bilbao 2021 y Axila, que robo sobaco, en la Fundación Bilbaoarte, 2023.
Mayra vom Brocke
La anunciación (plano general), 2023
Óleo sobre lienzo
93 x 75 cm
La anunciación (acercamiento), 2023
Óleo sobre lienzo
90,5 x 68 cm
La pintura es un ámbito para la narración, para pensar la construcción de imagen y pensamiento. Des de aquí Mayra vom Brocke explora las decisiones que delatan el enfrentamiento entre la materia y sus límites —la tela, la pintura— y la apariencia de realidad en la imagen. Busca encontrar ese intersticio donde la palabra y la imagen se disputan el terreno: situaciones claras para el espectador pero que están cargadas de subjetividad en los errores de referencia y clima.
En este díptico nos acerca a la idea de deseo, —un edén sin Adán—, en el cual el deseo es libre de disfrutar de sus frutos, y de regodearse en sus jugos. No hay pecado, no es posible, solo el juego, tocar, el tacto de un melocotón, un durazno. La palabra melocotón proviene del latín malum cotonium, y esta del griego antiguo κυδώνιον μῆλον, literalmente manzana de Cidonia. Malum cotonium era, sin embargo, el nombre que se le daba al membrillo. La palabra durazno proviene del latín duracinus, de dūrus (duro) acinus (uva, baya). Manzana, membrillo y baya para el fruto de la confusión, de su piel sedosa, la erótica de la confusión.
Mayra vom Brocke (Buenos Aires, Argentina, 1991). Actualmente vive y trabaja en Barcelona, se especializa en pintura contemporánea y produce en su estudio en Hospitalet de Llobregat. También codirige desde mayo 2022 un espacio de proyectos artísticos que sitúa en contexto el Arte contemporáneo argentino en diálogo con la escena de arte contemporáneo de Cataluña, El Sielo. En 2023 gana el primer premio otorgado por el Premio a las Artes Fundación Amalia Lacroze de Fortabat e inaugura su segunda exhibición individual, La copa en la pera en galería Hipopoety en Buenos Aires. En 2021 realizó la residencia de creación e investigación HANGAR a través de una beca que le otorgó el Primer premio de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires. Estudió en la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires (2011-2020). En 2020 inaugura, Recipientes y gatos, su primera exhibición individual en la galería Pasto en Buenos Aires. En 2018 participó del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella en Buenos Aires. Formó parte de los talleres y clínicas de Alfredo Benavidez Bedoya (2004-2011) Pablo Siquier (2015), Silvia Gurfein (2019), Valentina Liernur (2017) Claudio Iglesias (2019 – 2020) y Carlos Bissolino (2015) entre otros.
Charlotte Nordgren Sewell
Mother Tongue, 2022
Instalación textil-audiovisual
Medidas variables
Mother Tongue es un refugio-guarida-cueva para reflexionar sobre las historias naturales en su pluralidad, contadas desde la lengua tierna de la mama osa. Sus paredes son un bestiario medieval, imágenes de animales reales y fantásticos bordados con retazos de pieles recicladas para crear una criatura-refugio en patchwork. Desde dentro se ven los distintos animales, y desde fuera hilos desordenados y formas indistintas. El tamaño de la tienda en su parte superior es el de un aro de hula estándar. En el interior, un suelo de pieles y una pieza de audio que narra la historia de la mama osa tal y como se contaba en el bestiario medieval como cuento infantil.
El bestiario medieval, que registraba las historias naturales y el significado religioso de los animales durante la Edad Media, describía a la madre osa como “paridora de bultos sin forma que luego lamía para darles forma”. El bestiario, que establecía la diferencia entre “humano” y “animal” dentro de un sentido religioso, se relaciona de alguna manera con la caza de brujas de la misma época, una guerra contra las mujeres cuya libertad suponía una amenaza para el sistema capitalista que se estaba instaurando en la época. Desde la anciana que maldice hasta las advertencias de la mujer de la ‘lengua seductora’ y las acusaciones de comer niños, la persecución de las brujas estaba a menudo ligada a la idea de que la lengua era un arma peligrosa. «Todo el reino sabía que las lenguas de las osas eran mágicas.»
Charlotte Nordgren Sewell es una artista sueca-británica que vive y trabaja en Barcelona. Ella es licenciada en arte y política de Goldsmiths College, Londres, y le interesa cómo la cultura popular produce y perpetúa las historias naturales, la relación entre los cuerpos feminizados y los animales no-humanos, las lenguas, la ternura. Trabaja entre la educación artística infantil y la producción de su obra; con la artista Maybuch Victorel lleva ‘Parque Creativo’; un proyecto de prácticas comunitarias de encuentros con actividades artísticas para niños y niñas. Ha sido artista residente en Tabakalera (Donostia, 2020), Tangent Projects (Hospitalet, 2021), Can Serrat (El Bruc, 2021,22) y Fabra i Coats (Barcelona, 2023). Sus exposiciones incluyen Loop Festival (2019), Artium (2020), Tangent Projects (2021) y Ca la Dona (2023).
Elisa Pardo Puch
Tongue drawings, 2022
3 dibujos grafito en papel
29,7 x 21 cm
42x 29,7 cm
100 x 50 cm
Estos dibujos se enmarcan en un proyecto más amplio que se titula Strange Fairy Tales (2022—) que trata de las narrativas que nos atraviesan y que median entre nosotros y el mundo. Aproximándose a este proceso desde la noción de historia enmarcada: historias dentro de historias. Se pregunta como cuestionar mediante el trabajo artístico esas historias cuando responden a intereses de poder. A través de una experiencia personal intenta cuestionar historias que nos ponen en contacto con otros y con nuestro entorno, y cómo compartiendo nuestras experiencias personales podemos repensar la forma en la que habitamos el mundo.
Empieza observando cómo el lenguaje, el conocimiento y la narración pueden ser usados como herramientas que facilitan el abuso de poder. Des de ahí comienza a crear su propia narración, a través de textos e imágenes que ponen en cuestión la situación, mostrando a su vez su propia forma de aproximarse a la realidad. La serie de las lenguas que presentamos aquí, Tongue Drawings, son el inicio de todo este proyecto. Múltiples lenguas parecen moverse, atrayéndose o luchando unas contra otras, interrumpiéndose o acariciándose. Estas lenguas podrían ser la forma encarnada de estos empujes, forcejos, contactos, caricias… entre historias, relatos, comprensiones del mundo.
Elisa Pardo Puch (Madrid, 1988) Licenciada en Bellas Artes por la UCM (2014). Graduada en Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual por la UAM y la UCM (2017). Estudios Superiores de Diseño Gráfico en la Escuela de Arte 10 de Madrid (2010). Erasmus en la Escuela de Arte Duperré, París (2009). Exposiciones individuales: Bajo el cielo de la noche, Luis Adelantado, Valencia (2023); A Strange Fairytale, Pradiauto, ArteSantander (2023); Metal Heart: Lo que pesa, Departamento, Bilbao (2023); La Espera, Pradiauto, Madrid (2022). Su obra ha sido expuesta en Sant Andreu Contemporani, Barcelona (2023); AIR Munich, Alemania (2022), Pradiauto, Madrid (2022, 2021); Parque de Aragón, Madrid (2021); Matadero, Madrid (2020); Sala de Arte Joven, Madrid (2020); INJUVE, Madrid (2017); XVII Premio Joven Artes Plásticas UCM, Madrid (2016). Ha sido seleccionada para GlogauAIR, Berlín (enero-junio 2024); Premio Miquel Casablancas, Barcelona (2024); Residencia Villa Bergerie de la Fundación Pollock-Krasner, Huesca (2023); AIR Munich (2022); Centro de Residencias Artísticas Matadero, Madrid (2020); XXIX Circuitos de las Artes Plásticas Comunidad de Madrid (2018); CALL XX, Luis Adelantado, Valencia (2018); Nada Sobra, Segundo Premio de Adquisición, Universidad Nebrija, Madrid (2017). Impartió un taller en el Centre Pompidou, Málaga (2023). Participó en el Programa Chimenea, La Casa Encendida (2017). Autoedita fanzines participando en Sesión Picnic, CA2M (2017).
weecolors
Dichosa de picar, 2023
Nueve cajas de papel, acuarela y tinta sobre papel
27 x 22 x 19 cm
Las frágiles cajitas de papel están pensadas para proteger, una fragilidad que ha de cubrir otro cuerpo con su delicada piel. Tal vez esconder un objeto prácticamente de su mismo tamaño y forma en su vientre. Como una funda, como un fantasma. O como la muda de una serpiente, el rastro de un cuerpo que mutó. Las minuciosas coloridas acuarelas que las decoran muestran distintas variedades de flores que juegan con unos pájaros que no sabemos si las molestan o las entretienen, si las animan o las machacan.
Lo decorativo de sus motivos, un sentido lúdico de aparición sobre el papel, no les quita trascendencia, sino que precisamente por esta forma suya de ser, —ser piel, ser exterior, exterioridad, ser juego y eroticidad, esconder para poder mostrar—, se acercan más y más al corazón de la cuestión. Al fin y al cabo, las flores, son el sexo del reino vegetal. Lo más común, lo más banal y lo más extraordinario a la vez.
weecolors ha realizado exposiciones individuales en Pradera, Madrid (2021), Pols, Valencia (2022) y en Can Felipa, Barcelona (2023). Su trabajo ha podido verse también en exposiciones colectivas en la Casa Museo Lope de Vega (Madrid), el Centre del Carme (Valencia), Twin Gallery (Madrid), Dràcul·la (Hospitalet de Llobregat), la Sala de Arte Joven (Madrid), Basel Social Club (Basilea), arteba (Buenos Aires), Swab (Barcelona) y ARCO (Madrid). Ha sido residente en el espacio de artistas de Tabakalera (Donostia-San Sebastián) y ha diseñado la identidad de las Picnic Sessions 2023 para el Museo Centro de Arte Dos de Mayo (Móstoles).
Caterina Almirall (Barcelona, 1986)
Como miembro del jurado del premio Miquel Casablancas 2023 ha desarrollado este pequeño proyecto expositivo a partir de algunas de las candidaturas al premio que no resultaron ganadoras pero que igualmente merecen un espacio de visibilidad.
Actualmente es la directora de ACVIC, Centro de Artes Contemporáneas de Vic (Barcelona), curadora independiente y profesora en la facultad de Bellas Artes de Barcelona. Desde la curadoría, centra su trabajo en torno al hecho expositivo y la práctica mediadora, con especial interés por los lenguajes del arte contemporáneo en generar una experiencia específica y en la posibilidad de aprendizaje sobre el mundo. Colabora con artistas y colectivos en proyectos de investigación, creación y escritura. Es doctora en Bellas Artes con una tesis sobre comisariado independiente en Barcelona.
CRÉDITOS:
Diseño expositivo y montaje: Silvester
Diseño gráfico: Parte Studio
